scena madre

VOCI FUORI SALA. Twixt

2011-12-04T13:56:00.003+01:00

Al 29TFF l'ultimo film di Francis Ford Coppola "Twixt", in 3D!

VOCI FUORI SALA. Albert Nobbs

2011-12-04T13:47:00.002+01:00

La scena madre di "Albert Nobbs", film di Rodrigo Garcia con Glenn Close, che ha chiuso il 29° Torino Film Festival.

CAHIERS DU FESTIVAL. Il premio scena madre

2011-12-04T13:22:00.014+01:00

Ricapitolando:

La giuria del concorso Torino 29 composta da Schatzberg, Fitzgerald, Mendoza, Niogret e quella gnocca di Valeria Golino ha scelto Á Annan Veg di Gunnar Sigurdsson, che riceve un premio di 20.000 euro e che speriamo userà per un nuovo film perso e fresco come quello che ci ha proposto.

Anche la scuola Holden ha premiato la sceneggiatura del film Islandese con una motivazione molto poetica che Amelio non ha apprezzato deridendola, ma che secondo me trova le parole chiave per descriverlo: “Un film essenziale e beckettiano che sta in equilibrio sul filo di una linea di mezzeria tirata da un nulla a un niente nel deserto islandese popolato di fantasmi femminili”.
Né io né Amelio sapevamo cosa fosse la mezzeria e infatti lui ha proprio letto mezz’aria.

I due premi speciali della Giuria sono andati a 17 filles e Ok, Enough, Goodbye che non ho visto. Se qualcuno li ha visti e ha voglia di parlarcene è benvenuto. Anche nel mio caso è vera la frase di molti spettatori a cui abbiamo chiesto un pronostico: “il film che vince è quello che non ho visto”.
Premio Cipputi: Le Vendeur con una motivazione bellissima che finisce così: “Nello sconvolgimento emotivo che travolge l’anziano venditore, riconosciamo tutte le fatiche e gli aggiustamenti di senso sul valore del lavoro che la crisi ha imposto: quello che riempie i vuoti affettivi, quello che perdi e non pensavi che sarebbe mai successo, quello che ti uccide, quello che ti salva". Secondo Amelio questa motivazione l’ha scritta Altan.

A Le Vendeur va anche il premio FIPRESCI (stampa francese) per la limpidezza di immagini e il rigore di racconto (Tipica motivazione francese: rigore e limpidezza).

Italiana.Doc va a L’Orogenesi di Caldwell Lever, un regista canadese che parla un italiano perfetto che avevamo intervistato una delle prime sere. Quando annunciano il premio Fornara mi chiede: sai cosa sia l’orogenesi. E io dico di sì per finta. Lui mi becca impreparata e mi spiega che è la formazione delle montagne. Menzione speciale a Freak Beat: anche fuori sala molti ne hanno parlato bene, soprattutto per il mitico Freak Antoni.

Non sapevo dell’esistenza del Premio “Gli occhiali di Ghandi” per i film che interpretano la visione ghandiana del mondo: è andato a Way Home, il film tedesco sul morbo d’Alzheimer.

E infine il premio Bassan-Arte e Mestiere dedicato a costumi e scenografie ha premiato Marcus Rowland, lo scenografo di Attack the Block, per “un percorso cromatico ben preciso”: considerando che è ambientato nei sobborghi difficili di Londra sembra una scelta coraggiosa. Del pubblico molti avevano amato Attack The Block, ben sapendo però che non aveva molte chances di vincere il premio Torino 29.

Manca il Premio SCENA MADRE: qual'è la vostra?

CAHIERS DU CINEMA. Oltre lo schermo.

2011-12-04T12:58:00.004+01:00

Continuare a ridere per lo stesso tormentone:
“Ci vediamo dopo al Massimo?”

"Dai al massimo ci vediamo là"
“Allora ci vediamo al Massimo alle quattro”

"Massimo alle quattro, ok"
“Vado al Massimo!”

"Grande"

Gianni Amelio che alla premiazione dei due registi di “Ok, Enough, Goodbye” dice tre volte “Vergogna, sono troppo giovani” (Chiaro esempio di attitudine italiana nei confronti dei giovani emergenti).

Io e Fornara che ci diamo il cinque quando annunciano il vincitore del Torino 29 che è lo stesso votato dalla Giuria Holden.

Piangere per i seguenti film:
Into the Abyss: la prima scena in cui Herzog intervista il prete che accompagna i condannati a morire.
50/50: la scena in cui il protagonista è pronto per entrare in sala operatoria e domanda all’anestesista se è sicuro che l’anestesia duri fino alla fine o non si sveglierà durante l’operazione.
The Descendants: George Clooney che bacia per l’ultima volta la moglie in coma.

Intervistare un tipo che poi mi dice di essere del Fatto Quotidiano e mi intervista a sua volta.

Guardare negli occhi Gunnar e pensare che un giorno io e lui in Islanda tre metri sopra il cielo.

Vedere Nanni, come un’apparizione messianica, sublime.

CAHIERS DU FESTIVAL. Non è solo questione di schermo.

2011-12-04T07:32:00.002+01:00

Le chiacchiere pre-proiezione, magari in attesa di un bel drammone, che spaziano liberamente su qualsiasi argomento, come il fatto che gli spaghetti al cioccolato fanno davvero schifo, per non parlare dello zucchero filato sui maccheroni.

Chi si giustifica per aver scaltramente sorpassato la persona che gli stava davanti nella fila, sostenendo che “con le persone che abbiamo al governo, di cosa ci stupiamo ancora?”. E chi poi, una volta entrati in sala, commenta l'accaduto giustificando i nervosismi col fatto che, bisogna capirlo, la gente lavora per una settimana intera in ufficio e quando arriva al sabato al cinema, vuole trovare tutto che fila liscio. Altrimenti s'incavola di brutto.

La sigla del TFF e la costante ricerca di un nesso sensato nel passaggio da un'immagine all'altra, come l'insetto che per fuggire dalla lingua di un camaleonte si trasforma in una lampadina, salvo poi finire inzuppata in un bicchiere di latte.

Quel giorno in cui, arrivato di corsa al “Xkè?” per la conferenza stampa, mi giro per ringraziare chi mi ha tenuto aperto il portone del palazzo e scopro che la persona gentile è Aki Kaurismäki, con in mano birra e sigaretta elettronica.

Essermi lanciato convinto su un uomo magro e con gli occhiali all'uscita di un film per la solita domanda, come con qualsiasi altro spettatore. Avergli parlato per qualche minuto, senza comprendere la perplessità nel suo sguardo, per poi accorgermi finalmente che parlava solo inglese e che si trattava del presidente della giuria del festival, Jerry Schatzberg. É stato gentile, scusandosi perché, ancora in preda al jet-lag, non sapeva bene come rispondermi.

L'immagine degli occhialini 3D che appare sullo schermo durante l'ultimo Coppola, per suggerire al pubblico il momento in cui è necessario indossarli. L'immagine che poi sparisce quando la scena in 3D è terminata, e si può tornare a guardare il film con gli occhi e basta.

La domanda che è sorta spontanea alla consegna degli occhialini 3D: “Sono davvero al festival?”

Il panorama di figure maschili nei film proiettati. Il grassoccio libanese scocciato dalla vita e dall'assenza della mamma, il prete che sembra un castoro e che racconta storielle più affascinanti della storia del film stesso, le tante coppie di amici: i due bamboccioni che vivono di ubriachezza e orge, i cantonieri sperduti nel deserto islandese, il malato tenerissimo Joseph Gordon-Levitt e il compare tanto gradasso quanto indispensabile. Persino la magistrale Glenn Close è un maschio in “Albert Nobbs”.

Aver amato una favola vera e propria a distanza di anni, per di più raccontata da immagini su uno schermo enorme, cosa che da bambino non accadeva. La favola in questione è “Le Havre”.

L'esaltazione crescente man mano che le vicende di “Cold fish” di Sion Sono si facevano più cattive, spietate, violente. Vere. E tutto era partito dal suggerimento di una fidata amica, che mi aveva raccontato la scena d'apertura di un altro film del giapponese, quella dove cinquanta ragazzine decidono di buttarsi sotto il treno della metro tutte assieme.

La passeggiata notturna di ritorno dalla giornata al festival con una collega, il silenzio e il vuoto dei portici di Piazza Castello. Discutere strada facendo sulla pronuncia esatta di quella “ä” nel cognome di Kaurismäki: “a”, come diciamo tutti, oppure “e”, come sostiene Emanuela Martini?, e imbattere proprio in quel momento in Aki Kaurismäki stesso, abbandonato su una sedia di un café, rosso in volto e semi-addormentato, mentre poco distante un musicista ambulante suona la sua fisarmonica, una melodia malinconica come in un film di Kaurismäki.

Perchè il TFF, in fin dei conti, di scene madre ce ne ha riservate tante, e non soltanto sugli schermi dei cinema.

VOCI FUORI SALA. Serca bumerang

2011-12-04T00:30:00.002+01:00

Le interviste al pubblico all'uscita del film "Serca bumerang" ("Il boomerang del cuore") di Nikolay Khomeriki in concorso Torino 29.

AFFICHAGE PUBLIQUE. Il tetto, Vittorio De Sica.

2011-12-03T14:39:00.002+01:00

Film della categoria "Figli e Amanti", scelto da Michele Placido.

La Roma degli anni '50 è immensa, è strade e biciclette e ferrovie scoperte e chi si sposa ha bisogno di una casa, come adesso. Il tetto è il fondamento primario della vita. I due sposi non hanno ancora una casa ma in alcuni quartieri, come il prenestino, si può fare il miracolo: costruire una casa in una notte. Che se il tetto si riesce a coprirlo entro le 8 del mattino le guardie non possono farti niente, proprio niente.

Mattone dopo mattone, con la notte dalla nostra parte e la ferrovia

deserta davanti gli occhi, la casa è quasi in piedi.

Piccola, senza finestra e con un buco sul tetto. Ma la casa è in piedi, il miracolo è fatto.

Le guardie arrivano e vogliono entrare, dalla porta, dalla finestra che non c'è. Intorno alla piccola casa che sembra niente ma invece è un mondo si decidono alcune vite, almeno due, quelle degli sposi.

Le guardie smettono di bussare, la multa però si deve pagare e lo sposo salda subito il suo debito. In fondo chiedevano solo questo, dall'inizio.

Serena Blasi

VOCI FUORI SALA. Intruders

2011-12-03T12:58:00.002+01:00

"Intruders", di Juan Carlos Fresnadillo, in concorso Torino 29: ecco quel che ci ha detto il pubblico all'uscita.

PRONOSTICI FUORI SALA.

2011-12-03T12:19:00.004+01:00

A un'ora dalla comunicazione ufficiale dei vincitori: i pronostici e le speranze del pubblico sui film in concorso!

VOCI FUORI SALA. 50/50

2011-12-03T11:11:00.006+01:00

Scene madre di uno dei più amati film in concorso, "50/50" dell'americano Jonathan Levine. Cast hollywoodiano per un dramma molto divertente!

VOCI FUORI SALA. L'era legale

2011-12-02T18:14:00.003+01:00

I pareri del pubblico e dell'attore protagonista Patrizio Rispo sul mockumentary "L'era legale" di Enrico Caria dopo l'anteprima.

VOCI FUORI SALA. Tayeb, khalas, yalla

2011-12-02T16:40:00.003+01:00

Il film libanese in concorso: di Rania Attieh e Daniel Garcia, tradotto come "Ok, enough, goodbye" ("Va bene, basta, arrivederci").

VOCI FUORI SALA. A little closer.

2011-12-02T10:25:00.002+01:00

I commenti del pubblico dopo la proiezione di un piccolo film americano, in concorso Torino29: "A Little Closer" di Matthew Petock.

VOCI FUORI SALA. Terri.

2011-12-02T10:17:00.001+01:00

Il film statunitense "Terri" di Azazel Jacobs, in anteprima al 29TFF, attraverso le scene preferite del pubblico.

AFFICHAGE PUBLIQUE. Mamma Roma, Pier Paolo Pasolini

2011-12-02T01:23:00.003+01:00

Film della sezione "Figli e Amanti", scelto da Kim Rossi Stuart.

Ettore ha una moto, per la prima volta nella sua vita. È stata la madre a regalargliela. Ettore ha lo sguardo fiero e non guarda la madre negli occhi ma vuole portarla a fare un giro, il primo giro sulla sua prima, unica moto.

Ettore e Mamma Roma in moto sono padroni delle vie, lui sicuro e ingenuo al tempo stesso, lei donna in ogni centimetro di sé si siede di lato e dice al figlio di andar piano che ha paura che sennò fanno il botto ma si vede che è felice e ride.

"I signorini so' tutti stupidi, nu i posso vede', 'sti fiji de papà, perché c'hanno 'n po' de grana 'n saccoccia se credono da esse quarcuno". Questo dice e pensa Ettore, portando la madre in moto, padrone delle vie di Roma.

"Ao, ma che sei comunista?". Risponde Mamma Roma al figlio Ettore.

E continuano ad andare, senza smettere di essere felici. Solo così possono esserlo forse, in due, su quella moto, per le vie di Roma.

Serena Blasi

CAHIERS DU FESTIVAL. Duce's anatomy.

2011-12-01T21:14:00.017+01:00

Per un generico rigurgito antifascista che mi accompagna forse per tradizione familiare, ho visto due documentari narrativi legati alla figura del Duce. Il sorriso del capo di Marco Bechis e Il corpo del Duce di Fabrizio Laurenti.

Intanto una considerazione fisica giacchè siamo dalle parti di un recupero dell'anatomia e della sensualità: entrambi i registi dei documentari sono bassi. Ci può tornare utile? Può non tornarci utile? Non lo so: rientra in quella categoria di informazioni, come quello che si dice dei ragazzi con i piedi grandi o le donne con la fessura tra i due incisivi, che non si sa perchè ma occupano un posto insistente e petulante nell'immaginario collettivo.

Quindi a parte il probabile rapporto che lega gli uomini bassi agli argomenti di potere e tirannia, mi sento pronta comunque a salutare i due documentari come una sorta di felice liberazione: finalmente Mussolini, ha smesso di essere erotico ed è diventato pornografico.

Mi spiego: io faccio parte di quella metà del cielo che non ha ancora Sky e quindi bazzico spesso dalle parti di Rai Storia. Novanta per cento sono ricostruzioni e documentari sull'Olocausto. Sul fascismo e sul Duce c'è un imbarazzo mediatico che pesa sin dal dopo-guerra. Non si sa come parlare di Mussolini, qualcosa si tace, in generale si fa slalom. Questo meccanismo ha erotizzato la figura di Mussolini, come dice Rauti in il Corpo del Duce, (Dio se mio padre sa che cito Rauti), il proibito scatena il desiderio. I due documentari procedono da due direzioni diverse per rendere finalmente tridimensionale il Duce. Uno mostra la superficie della Mela, rossa e perfetta. L'altro scava nell'interno marcio, velenoso. Bechis pesca dall'archivio Luce tutto il materiale di Propaganda Fascista: i bambini, l'educazione fascista, i promo che intimano le ragazze al silenzio durante la guerra contro lo spionaggio, le industrie fasciste, cammelli dalla Libia, e lui, il Duce, con quelle espressioni incredibilmente berlusconiane.

Laurenzi invece nuota negli archivi di Stato procedendo dalle viscere: il corpo di Mussolini, crivellato di colpi a Piazzale Loreto, anche dopo la morte, schiacciato, lavato di sputi, spiaccicato il cranio, dal quale però, nonostante sfigurato, si riconosce, incredibilmente, quella mascella quadrata come un comodino. L'autopsia. Ma anche immagini vive di lui che si spoglia, virile. Vivarelli, un pazzo pericoloso e geniale - è morto durante le riprese-, sottolinea l'ovvio: gli italiani sono un popolo politicamente omosessuale. E' vero, la presenza della sua figura, per noi, popolo adoratore di Santi, rappresenta l'incarnazione necessaria. L'erotismo però che di solito mi faceva persino temere la vista delle immagini del Duce grazie a questi due documentari è svanito: in Bechis il Duce diventa fenomeno pop, in Laurenzi il Duce diventa bambola gonfiabile, orrenda, addirittura a un certo punto cadavere rannicchiato dentro un baule - molto bella ma un po' classica la ricostruzione delle vicende del corpo del Duce - La natura esplicita delle immagini resitituisce l'organicità del Duce. Il mostro, il babau, l'uomo nero è morto, disgregato. Era un corpo, ora è ricordo. Inutile cercare di rimuovere il ricordo senza congedare il corpo. In entrambi i documentari ho riso spesso, come il pubblico in sala. Ridere di argomenti fascisti non mi era mai capitato. E' un'argomento in cui si assume d'ufficio il contegno serio e dimesso che si riserva ai tabù. E invece no, ora si può anche ridere del fascismo. L'uomo nero è morto. (Quello erotomane no)

FERMI DOVE SIETE! La fila, che piacere.

2011-12-01T21:14:00.006+01:00

Perchè i colori e le forme possono prendere vita ancora prima che lo schermo s'illumini.

VOCI FUORI SALA. Jess + Moss

2011-12-01T20:46:00.002+01:00

Le scene madre secondo il pubblico di "Jess + Moss" di Clay Jeter. Un'estate nel Kentucky. Un viaggio dentro i luoghi della memoria di due adolescenti. Nella sezione Festa mobile del Torino Film Festival 2011.

VOCI FUORI SALA. Á annan veg.

2011-12-01T14:26:00.008+01:00

Beckett, orizzonti infiniti e anni '80: cosa si ricorderà il pubblico del film islandese "Á annan veg" ("In un modo o nell'altro")? In concorso Torino 29, regia di Hafsteinn Gunnar Sigurdsson.

CAHIERS DU FESTIVAL. Anni '80, Polaroid e Beckett.

2011-12-01T13:42:00.009+01:00

É vero, il tempo passa inesorabile, se ne frega di tutto e scandisce con cinica precisione la nostra vita, fin là dove noi sappiamo. Ma ci sono occasioni, come quando si è al cinema, in cui è possibile sperimentare un altro tempo che in fondo frega e rielabora il tempo stesso, quello cinico di cui sopra. Anche se per poco. Il tempo stesso dei film, di ogni narrazione, è d'altronde un gioco di manipolazione fatto di ellissi e sbalzi tra passato, presente e futuro.

“Jess + Moss” di Clay Jeter è un delizioso esempio di come una storia possa anche privarsi di elementi fondamentali come trama e sviluppo, per esplorare con una grazia quasi onirica le tracce di memorie fuggevoli. Tempi troppo lontani per poterli afferrare con le proprie mani, troppo scivolosi per fissarsi nella mente. Le vite dei due cugini adolescenti Jess e Moss passano davanti ai nostri occhi in una carrellata di colori puri e netti come in un quadro di Hopper; altre volte sono sfocati come una vecchia fotografia.

Gli anni '80 nelle canzoni di Sinead O'Connor nei supermercati. Il paesaggio agreste del Kentucky e le rovine di una casa ancora abitata dai suoi oggetti, spettri ormai degradati di altre vite. Storie di sigarette e di sette minuti di paradiso, ovvero il tempo di un lungo bacio. Storie di uomini a cui è stato mal riattaccato un dito mozzato, o di un bambino morto soffocato dentro un silos di grano. Un mangianastri in loop su cassette con la voce registrata di una madre che s'è andata, una voce che dice “non ti affezionare a ciò che non puoi portare con te”. Cassette di un corso che istruisce a potenziare la memoria fotografica, uno strumento che può permettere di ricordare tutto ciò di cui si ha bisogno, tutto ciò che è stato, anche l'immaginazione. Jess e Moss dondolano sperduti nella loro inquietudine, soli in un tempo troppo presente, che non conosce il tempo da cui proviene. Il film appare non a caso come un mosaico di vecchie Polaroid scattate all'ora del tramonto, un momento di passaggio, in bilico tra luce e oscurità.

Sono diversi i modi in cui il tempo al cinema può essere trasformato, vissuto diversamente nonostante la sua crudele essenza. Addirittura può sembrare annullato, come un unico istante dilatato. É il caso del film islandese “Á annan veg - Either way” di Hafsteinn Gunnar Sigurdsson, anch'esso ambientato intorno al 1980. Questa volta l'impianto narrativo è chiaro e semplice, si parla del rapporto altalenante tra due colleghi addetti alla manutenzione di strade deserte e sperdute. I gesti si ripetono in continuazione, i rumori anche, e i dialoghi sono quasi sempre incentrati su questioni di donne, simili a vortici senza capo né coda come quelli tra Didi e Gogo nell'attesa di Godot.

I due protagonisti e le loro vite risuonano appena come le ultime vibrazioni di eco, inglobate nello sconfinato spazio islandese. Paesaggi di altri pianeti dove cielo, roccia e acqua faticano a distinguersi, non possiedono vera profondità, nella loro contorta immobilità disorientano la percezione del tempo, quasi fosse un elemento non contemplato.

Poi si riaccendono le luci in sala e lo schermo ormai nero toglie ogni illusione. Il tempo è passato anche questa volta, ma è stato bello sconvolgerlo per un po'.

VOCI FUORI SALA. Le vendeur

2011-11-30T20:14:00.002+01:00

Il film "Le vendeur" ("Il venditore") di Sébastien Pilote, in concorso Torino 29, nelle immagini più significative per gli spettatori.

VOCI FUORI SALA. Ulidi piccola mia

2011-11-30T14:58:00.005+01:00

Ecco quel che ci hanno detto stamattina al Reposi a proposito del film di Matteo Zoni "Ulidi piccola mia", in concorso Torino 29.

VOCI FUORI SALA. Tsumetai Nettaigyo

2011-11-30T14:27:00.003+01:00

"Tsumetai nettaigyo" ("Pesce freddo"), 2010, di Sion Sono. Scene madre di uno splatter...

VOCI FUORI SALA. Koi no tsumi

2011-11-30T13:27:00.003+01:00

Le scene madre di "Koi no tsumi" ("Colpevole d'amore") di Sion Sono secondo il pubblico... A questo punto la vera domanda è: qual è davvero la scena finale?

CAHIERS DU FESTIVAL. Amalric guarda Sfar.

2011-11-30T12:31:00.006+01:00

Joann Sfar allo zoo disegna un orango. Dice che noi umani e le scimmie siamo così simili eppure così irreconciliabili.

Joann Sfar alle tre di mattina al mercato coperto del pesce: ritrae un tonno e dice che la Disney ha un effetto deleterio per i disegnatori che ormai non riescono a impedirsi di dare un espressione agli animali. Triste o felice, bisogna seguire un'impressione, dare un'espressione. Anche se in realtà i pesci per esempio, non hanno espressione.

Joann Sfar in un atelier d'arte fa schizzi di modelli nudi in sessanta secondi, trenta secondi.

Joann Sfar in un laboratorio di anatomopatologia: un dottore sta smembrando il braccio di un cadavere per studiarne i tessuti.

Joann Sfar disegna tendini, capillari guardando curioso il corpo divelto.

Joann Sfar legge i suoi propri fumetti.

Joann Sfar mentre disegna dice che deve parlare altrimenti pensa e quando pensa non riesce a disegnare.

Joann Sfar dice che i personaggi si ritraggono cominciando dalla loro caratteristica: per esempio se un personaggio si mette le dita nel naso cominceremo a disegnare il dito nel naso e poi il resto.

Joann Sfar mangia una tagine in un ristorante marocchino e disegna una donna che assomiglia a Zlabia di Chat du Rabbin, ma la disegna tenendo gli occhi bassi perchè al tavolo c'è anche suo marito.

Joann Sfar si dice Joann (J come G dolce) non si dice IOANN, altrimenti si arrabbia.

Joann Sfar va nello studio dove disegna insieme ai due colleghi. Mentre loro disegnano i loro fumetti, lui li disegna mentre loro disegnano. Poi vanno tutti insieme al bar e disegnano bevendo una birra le cameriere, gli avventori del bar, ancora loro stessi.

Joann appoggia un suo libro di fumetti sulla schiena nuda di sua moglie che dorme e legge la storia dell'incontro amoroso di un uomo e una donna.

Joann Sfar disegna un uomo che sta disegnando un uomo che sta disegnando un uomo, che sta disegnando un uomo......

VOCI FUORI SALA. Sette opere di misericordia, la troupe

2011-11-29T19:06:00.003+01:00

La scena madre di "Sette opere di misericordia" dei gemelli De Serio nelle interviste alla troupe. Dopo l'anteprima del film ieri sera (28/11) al cinema Massimo durante il 29TFF e la premiazione di Roberto Herlitzka con il premio Maria Adriana Prolo alla carriera,consegnato da Marco Bellocchio.

VOCI FUORI SALA. Sette opere, il pubblico

2011-11-29T14:44:00.007+01:00

Le interviste al pubblico dopo l'anteprima del film "Sette opere di misericordia" dei gemelli De Serio ieri sera (28/11) al cinema Massimo e la premiazione di Roberto Herlitzka con il premio Maria Adriana Prolo alla carriera, consegnato da Marco Bellocchio.

AFFICHAGE PUBLIQUE. Suicide Club, Sion Sono

2011-11-29T13:41:00.007+01:00

I ragazzi sono a scuola, sul tetto, fanno merenda, chiacchierano con leggerezza di feste, lezioni e vestiti. Le divise scolastiche li rendono tutti uguali, nei movimenti, nella fisicità e nei pensieri soprattutto.

Alcuni sono al sicuro, lontani dal cornicione, in circolo, nel centro di uno spazio bianco, ridono di tutto con passione, menefreghismo, spensieratezza,

come i ragazzi di tutto il mondo. Perché, a quanto sembra, in questa scuola si può ridere di ogni cosa,

anche della fine della vita.

Lontane dal circolo, due ragazze sono vicine al cornicione, il limite che separa quei burattini vigili dalle responsabilità, dai voti, dalle regole, dalle risate.

"Voglio morire", dice una di loro.

Spavento, comprensione, identificazione, traslazione. "Voglio morire", e tutto cambia. Anche nel circolo sicuro, lontano dal limite, si comincia a discorrere della morte, ridendo. È un vortice che non può più esser fermato. "Prima però dobbiamo organizzare una festa, con tanto alcool e sesso". La matassa è libera e inseparabile al tempo stesso, i ragazzi sono in piedi in cima al cornicione e si danno la mano. E ridono e piangono e tutto è possibile.Ma a che serve tutto questo, se poi dobbiamo morire? Perché non possiamo decidere noi quando?

Ora sì, sono davvero tutti uguali.

Serena Blasi

CAHIERS DU FESTIVAL. La vita indiscreta delle parole.

2011-11-29T13:09:00.010+01:00

Immagine e parola. Verità e la sua rappresentazione. Il Novecento ci ha insegnato che questi binomi alla base di ogni cultura, fondamenti di comprensione e comunicazione, non sono sempre scontati, ma in fondo variabili, ambigui, incompleti. In letteratura, il futurista Marinetti scrive un poemetto sull'assedio di Adrianopoli scombinando l'ordine e il rigore grafico della scrittura e inserendo suoni onomatopeici a riproduzione di spari ed esplosioni. Il titolo dell'opera dice già tutto, in fondo: “Zang Tumb Tumb”. In pittura, invece, Magritte ci fa notare che una pipa dipinta, a volerla dire tutta, non è una pipa per davvero, ma un olio su tela e basta.Una pipa è tridimensionale, fatta di legno. Che potere ha la parola, la rappresentazione allora? Un modo per rispondere, forse, è non servirsene. Il cinema lo sa fare, ad esempio, anche quello del TFF. Per scelta, o per forza di cose, dipende.

“Wrecked” di Michael Greenspan fa parte della categoria “per forza di cose”. Il film canadese si può riassumere esclusivamente nel volto del protagonista,un ottimo Adrien Brody, sopravvissuto a un misterioso incidente automobilistico e che, senza più memoria, prova a ricostruire l'accaduto e raggiungere la salvezza fuori dalla foresta in cui è finito. Salvo alcune apparizioni fugaci di bestie feroci e personaggi mai davvero reali, il protagonista e la sua solitudine costituiscono pressoché l'unico materiale a disposizione della narrazione. Per questo mancano le parole per forza di cose. Per tutto il tempo, seguiamo il suo dolore fisico, la sua fame e la sua sete, le conseguenti allucinazioni, il freddo, la fuga in arrampicata sulle colline e tra le rapide di un fiume nonostante una gamba rotta, fino a quando viene finalmente trovato e portato in salvo. A quel punto la sua memoria torna vivida, quasi per magia, e grazie a un lungo flashback anche noi ricostruiamo quanto accaduto prima dell'incidente. Fine della corsa, basta così. I silenzi non sono stati altro che un accompagnamento forzato lungo la storia, non hanno aggiunto o spiegato nulla a quanto le immagini già raccontassero. Per questo la tensione è stata spesso superata dalla noia.

Altro discorso, invece, per “Sette opere di misericordia”, opera prima dei gemelli torinesi De Serio. L'assenza di parole è una scelta precisa che anzi sostiene e rafforza quello che le immagini ci dicono da sé. Perché sono immagini forti, che vogliono indagare con un'impietosa grazia due vite ai margini, mostrate per quello che sono, senza fronzoli né forzature. I protagonisti sono un vecchio solitario e ammalato, un egregio Roberto Herlitzka, e una ragazza dell'est che se la cava rubacchiando e dormendo la notte nel furgone di una famiglia rom. Le loro storie arrivano a toccarsi, a convivere tra prigionia e violenza, poi compassione e sostegno. Antonio e Luminita appartengono a due mondi lontani, a due lingue diverse, sarebbe stato quasi impossibile comunicare. Ma se anche avessero potuto, forse non si sarebbero serviti delle parole. Cos'altro ci sarebbe stato da aggiungere ai loro sguardi e gesti per potersi capire, per spiegarsi cos'ha riservato loro la vita, per sapere cosa resta loro da fare, ora che si sono incontrati?

Il film è un ottimo esempio di autonomia dell'immagine, e della verità e del senso che la impregnano. Le parole, si sa, anche al di fuori di una sala di cinema, possono modificare la realtà, imitarne il flusso come un impetuoso Zang Tumb Tumb, o spiazzarla con una semplice pipa.

VOCI FUORI SALA. A good old fashioned orgy

2011-11-29T12:47:00.002+01:00

Le scene madri del film "A good old fashioned orgy" (in italiano Una bella orgia vecchio stile) di Alex Gregory e Peter Huyck, 2011. Solo per buongustai.

FERMI DOVE SIETE! Fine primo tempo.

2011-11-29T01:31:00.006+01:00

Frequentare il TFF ogni giorno non è esattamente una passeggiata. Dopo lunghe file su scarpe non adatte, borsone del computer che pende da un lato e quello della telecamera dall'altro, occhi che si fanno sempre più piccoli, film dopo film, e lo stomaco che man mano fa la voce sempre più grossa, be', cosa c'è di meglio di chicken&beer? Giù appunti e programmi, è fine primo tempo.

CAHIERS DU FESTIVAL. Dimmi dove stai, e ti dirò chi sei.

2011-11-28T17:58:00.001+01:00

Adesempio, Lars Von Trier sa farle notare bene certe cose. Con“Dogville” ci era riuscito egregiamente. Perché se si ripensa acosa ci è rimasto impresso di un film, se si prova a rispolverare undettaglio dalla memoria, con ogni probabilità ci affidiamo a unabattuta di dialogo, all'espressione di un attore, alla suainterazione con un altro personaggio, magari nella scena del bacio, odell'assassinio. Voci e corpi, insomma.

Poicapita di bazzicare le sale del TFF, vedere consecutivamente due filmche non c'entrano nulla l'uno con l'altro, e uscirne pensando però auna questione comune: i luoghi. Che ruolo hanno i luoghi nei film cheamiamo, ricordiamo? Le stanze, gli edifici, le strade.

Dauna parte “Attack the block” dell'inglese Joe Cornish.Dall'altra, proiettato appena mezz'ora più tardi, l'ennesimo WoodyAllen con “Midnight in Paris”. Da una parte le avventure di una baby gang della periferia londinese alleprese, per una volta, non con le solite sessioni di canne e divano ole rapine per due spiccioli, ma con scimmioni alieni dai denti blufosforescente. Dall'altra, uno scrittore hollywoodiano che nellaséduisante Parigi rifugge la pedante mondanità dimoglie&famiglia e viaggia nel tempo alla riscoperta degli anni'20, in compagnia di Hemingway, Dalì, Picasso.

Mondidistanti anni luce. Sia quelli della rappresentazione cinematografica(montaggio serrato a ritmo di musica rap e fotografia cupa per uno,algide situazioni famigliari alternate a calde e fumose atmosferenotturne per l'altro), sia i mondi reali rappresentati (Inghilterra eFrancia, povertà e ricchezza, gioventù difficile e adulti. Ancheloro difficili, in effetti). Ma centrali, in queste due storie, sonoi luoghi. Contesti urbani e architettonici protagonisti essi stessi,e non sfondi funzionali all'ambientazione delle vicende. Entrambi ifilm ne dichiarano l'importanza a partire dai titoli.

Ilblock, il palazzone grigio dove vivono i ragazzi, è unafortezza da difendere fino alla fine, non a caso è spesso inquadratocon la maestosità delle immagini dei grattacieli di Gotham City, sucui svetta il simbolo di Batman. Il block è una comunitàintera che significa identità, appartenenza. Un luogo ostile,difficile immaginare un futuro migliore per la gioventù tra quegliargini, ma sono gli unici conosciuti, in fondo.

LaParigi di Gil (Owen Wilson) è invece tutt'altro che realtà, intesacome esperienza fisica certificabile, quotidiana. Innanzitutto perchélui è di passaggio, ci è venuto in vacanza. Ma soprattutto perchéla città in cui si addentra e si perde ogni notte, al dodicesimorintocco della campana, non è chelo spettro pur incredibilmente vivido e affascinante dell'epoca incui la capitale francese è stata il crocevia della cultura mondiale,il punto di ritrovo di artisti alla ricerca d'ispirazione, caféfumosi dove si ballava charleston e si discuteva di letteraturadavanti a una pinta di vino. Ma si tratta di un mondo che non esistepiù, e così i luoghi della Parigi del film diventanodichiaratamente le tappe oniriche di una fuga dal presente, dallarealtà che ci tocca vivere nonostante quella che vorremmo. Identitàe appartenenza abbandonate alla ricerca di altre nuove, pescate nelpassato, con novant'anni di ritardo.

Iluoghi racchiudono e veicolano il senso di un film proprio come labattuta di un dialogo, un'espressione o un'interazione trapersonaggi, è soltanto meno immediato notarlo. A meno che non sitratti di Lars Von Trier. Proprio quella volta, con solo nero e lineebianche, se n'era persino sbarazzato dei luoghi. E allora non sipoteva non farci caso.

VOCI FUORI SALA. Midnight in Paris

2011-11-28T16:20:00.002+01:00

L'ultimo Woody Allen, un ritorno al futuro in stile bohème: "Midnight in Paris". Ieri sera al Reposi.

VOCI FUORI SALA. Attack the block

2011-11-28T14:55:00.003+01:00

Mostri pelosi senza occhi e coi denti blu fosforescente in "Attack the block" di Joe Cornish. In programma nel concorso ufficiale 29TFF.

VOCI FUORI SALA. Il sorriso del capo

2011-11-28T12:42:00.003+01:00

Il documentario "Il sorriso del capo" di Marco Bechis. Un'indagine sulla fabbrica del consenso sotto il regime fascista. Ieri pomeriggio al Massimo.

FERMI DOVE SIETE!: le borse del TFF

2011-11-28T11:15:00.003+01:00

Ok: si apre la polemica borse del Torino Film Festival. L'anno scorso ci avete propinato delle borse frigo argentate che neanche il ragionier Filini al lago. Quest'anno avete chiesto al costumista di Dario Argento o avete saccheggiato qualche deposito di una fiction di Jack Lo Squartatore? Sembra che dalla borsa uno non debba estrarre un bel catalogo ma una poche di bisturi e forbici da tortura. Dove sono le deliziose borse di tessuto da radical chic con cui ci allietavate gli anni scorsi. (E che potevo riciclare come borse nella vita di tutti i giorni?)

VOCI FUORI SALA. Freakbeat

2011-11-28T00:35:00.003+01:00

Le nostre scene: Freak Antoni che parla fuori quadro con in secondo piano Margherita che guarda il trattorista che aggiusta il motore ("Margherita non mi ascolti mai!"), e "Noi non ci saremo" nel centro commerciale!

VOCI FUORI SALA. Win win

2011-11-27T19:25:00.005+01:00

In gara nella selezione ufficiale, "Win Win" è il nuovo film di Thomas McCarthy (già regista di "L'ospite inatteso").

Parla di sogno americano, avidità, amore, famiglia e LOTTA GRECO-ROMANA (che non si vede spesso in effetti).

CAHIERS DU FESTIVAL. Perché preferisco un film di Herzog alla messa della domenica.

2011-11-27T11:52:00.002+01:00

Ho la sensazione che ormai fare film per Herzog non sia più un mestiere. Piuttosto una missione. Infatti la mail che ha mandato per scusarsi di non essere venuto al festival parlava di altri tre film da consegnare entro la fine di novembre. E' un uomo divorato dal film-making. Lo dicono spesso che fare film crei dipendenza.

"Into the Abyss" si apre sul prete, di origine ispano-americana, che accompagna i condannati a morte fino alla fine. Dall'universalità delle croci del cimitero federale, niente nomi, solo i numeri dei condannati a morte, si passa al particolare: due ragazzi texani hanno ucciso tre persone per rubare un'auto. Uno di questi è nel braccio della morte (che espressione il braccio della morte, sembra quasi una cosa dolce, tra le braccia della morte, come nelle braccia della mamma) e sta aspettando il giorno della sua esecuzione. Herzog va a trovare tutti: i due condannati, il padre di uno di questi, la figlia e sorella di due delle vittime, il fratello dell'altra, persino chi si occupa di soddisfare l'ultimo desiderio del condannato.

Come curve asintotiche che non si toccano mai, ogni intervistato, da una parte e dall'altra del recinto carcerario, incontra e racconta il dolore puro, quello che fa della vittima un carnefice. Herzog ha un ruolo particolare nel cinema: riesce a prendere un argomento e metterlo in torsione non per effetto di chissà quale impianto teorico o montaggio ma piuttosto per la sua capacità – taumaturgica- di parlare alle zone più recondite e intime di chi decide di intervistare e mettere di fronte a una telecamera. Forse è la sua voce, che ormai è una protagonista dei suoi film. Una voce candida ma ferma, quella strana rigidità “tedesca” nella pronuncia delle w, forse proprio il suo essere straniero rende i suoi intervistatipiù disponibili all'apertura.

Tutti sembrano disposti a parlare. Herzog confessore? Herzog usa anche materiale di archivio della Crime Scene Investigation - sembra uno sberleffo alle serie americane che soddisfano la nostra richiesta di vedere ancora di più, ancora di più, ma che lasciano comunque, post-coitali, insoddisfatti, vuoti: vuoti come la figlia della vittima che è rimasta senza famiglia – grottesco, agghiacciante, quasi comico, l'elenco di disgrazie capitate alla sua famiglia, ha perso tutti nel giro di sei mesi - in contrapposizione al pieno della ragazza che si è innamorata di uno dei due detenuti e al momento delle riprese è incinta. Mi ero assopita una decina di minuti – forse per effetto degli archi di sottofondo- mi sono risvegliata con l'immagine dell'ecografia del nascituro. La particolare somiglianza dei feti agli alieni dei film e la musica inquietante e tutto quello che Herzog aveva costruito prima – gli schizzi di sangue, gli ambienti carcerari, gli occhi vuoti degli assassini- mi hanno fatto sobbalzare sulla sedia. Ecco cos'è per me questo film: un risveglio angosciante.

Il tentativo di Herzog di socchiudere la porta alla speranza è mancato, non è nelle sue corde ed è troppo cerebrale per suscitare in noi sensazioni di compassione. Spinge troppo l'acceleratore sulla nostra disponibilità ad affrontare la verità per poter poi chiederci di nutrire sentimenti più accoglienti di perdono.

Rimangono le linee pulite del cimitero e del carcere, le inquadrature nette, l'auto rubata, abbandonata in un deposito della polizia, un oggetto del desiderio sbranato dalle radici di un albero che vi è cresciuto dentro. (D. dice che questa suona come una balla tipica di Herzog.) Rimangono le immagini di Matthew Perry vivo, oltre il vetro, che però è già morto, come ci ricorda il solerte Herzog. Non rimane niente, tranne quel lettino con le cinghie, ultimo residuo di Croce. Rimane l'abisso negli occhi di ognuno di noi.

-- in sala sentimenti diversi, incerti, contraddittori, confusi. Forse Herzog voleva proprio questo-

VOCI FUORI SALA. 17 filles.

2011-11-27T10:35:00.002+01:00

CAHIERS DU FESTIVAL. Premio o non premio.

2011-11-27T10:32:00.001+01:00

Mistero Kaurismäki (forse) risolto.

VOCI FUORI SALA. Moneyball

2011-11-26T17:51:00.003+01:00

VOCI FUORI SALA. Le Havre

2011-11-26T15:26:00.008+01:00

CAHIERS DU FESTIVAL. Anche se non ve lo meritate.

2011-11-26T11:04:00.001+01:00

“Ormaiè tardi, stanno chiudendo le porte della sala a chiave. Quindiniente panico, tanto il panico sta arrivando da solo”.

Nonsi tratta di una citazione da una scena claustrofobica in un filmdell'orrore. Sono invece le parole pronunciate dal finlandese AkiKaurismäki, autorericonoscibile sin dal primo minuto in qualunque dei suoi film: le posestatiche delle figure, il taglio di luce a incorniciare i corpi, ilcolore blu e il rosso. Forse nessuno, però, si sarebbe aspettato disentire quelle parole giovedì sera, all'anteprima italiana del suoultimo capolavoro, “Le Havre”.

GianniAmelio, direttore del festival, aveva iniziato la presentazione contutte le migliori intenzioni: “Anticipiamo di un giorno l'iniziodel festival perché questo è sicuramente il film più bello dell'anno”.Poi è toccato a lui, Kaurismäki,dire qualcosa. Con ogni probabilità ringrazierà per l'omaggiodedicatogli, si dimostrerà emozionato e onorato; il pubblico in salaal Massimo avrà pensato cose del genere.

Inveceno. Lui, Kaurismäki, sguardofisso al pavimento per tutto il tempo, ha dichiarato più o menoquesto: “Il festival di Torino ha orgoglio e il mio film nonmeritava di farne parte, per questo viene proiettato stasera. Éun film molto brutto. Anche tutti gli altri miei film lo sono, ma sepossibile, quest'ultimo ancora di più”.

Sonoarrivati inevitabili gli applausi e le risate dalla platea, e nemmenoquando le luci stavano per spegnersi per dare spazio alla proiezione ha dato segni dicedimento. Kaurismäki ha lasciato la sala augurando al pubblico buona fortuna,“anche se non ve lo meritate”.

Levoci hanno fatto presto a diffondersi tra i corridoi e le biglietterie del TFF, un simile siparietto di un regista formidabile comelui non poteva passare inosservato. Si può immaginare quindi l'attesa e la curiosità che dovevaaleggiare ieri tra i palchi del Teatro Regio, location di lusso perl'inaugurazione ufficiale della 29a edizione. Sì, perché Kaurismäkiavrebbe dovuto ritirare in quell'occasione il Premio Gran Torino2011, un prestigioso riconoscimento dedicato alla carriera di chi ha“contribuito al rinnovamento del linguaggio cinematografico, allacreazione di nuovi modelli estetici, alla diffusione delle tendenzepiù significative del cinema contemporaneo”. Qualcosa diimportante, insomma.

Com'èandata a finire? Kaurismäkiavrebbe dovuto esserci, sì, e invece non si è presentato. Lemotivazioni dell'assenza ancora non sono trapelate e va da sé che lacuriosità intorno alla sua figura geniale è destinata a proseguireanche nei prossimi giorni, quando lui avrà già lasciato Torino,forse inseguito dal panico in arrivo.

VOCI FUORI SALA: INCOMINCIÒ TUTTO COSÌ

2011-11-25T15:17:00.001+01:00

Si alza il sipario sul 29° Torino Film Festival.

Scena Madre vi dà il benvenuto.

...lui è stato sincero. Così come lo saremo qui, a Scena Madre.

IN SALA SI SPENGONO LE LUCI. E SI ACCENDONO SU VOI.

2011-11-25T10:54:00.001+01:00

Quello che ci piace dei film, oltre che guardarli è parlarne. A volte è entusiasmo unanime, altre è vero e proprio scontro intellettuale. E quale occasione migliore per chi vive sotto la Mole del Torino Film Festival?

Così ci siamo riuniti per capire come poter parlare di questa 29a edizione, dei suoi film. D'altronde ci piace farlo. E alla fine abbiamo pensato che un modo efficace, veloce ed entertaining fosse parlare della scena madre. Quella insomma che ci ha colpito di più, la più forte, elaborata o scandalosa.

Quindi, la parola a voi. Cinefili d'essai o spettatori per sbaglio che siate. Telecamera in mano, ci spostiamo da un cinema all'altro, vi aspettiamo all'uscita di sala, poi vi poniamo una domanda. Una sola, semplice e breve: "Qual è stata la tua scena preferita?"

Potete anche raccontarcela via mail, nel caso in cui star davanti a un obiettivo proprio non faccia per voi. Vi basta scaldare i polpastrelli, sgranchirvi i polsi e mettere giù poche righe, più il titolo del film. Poi mandate tutto a blogscenamadre@gmail.com e il gioco è fatto.

Semplice, no?